La colección que exhibe el Museo de Bellas Artes de Valencia, sobre Joaquín Sorolla, uno de los pintores impresionistas valencianos por excelencia, es una pequeña muestra de poco más de cuarenta obras repartidas en dos salas contiguas de este museo.
La sede del museo, ubicada junto a los jardines de Viveros, es un gran edificio procedente de una matriz: la sede del Seminario San Pío V, construida en el s.XVII. Este edificio, que ha tenido muchos usos a lo largo de la historia, fue remodelado y adaptado para albergar la sede del Museo de Bellas Artes en 1946, ubicado antiguamente en el Convento del Carmen.
Aunque el edificio ha sufrido muchas transformaciones y ampliaciones, aún se conserva la Capilla del Seminario, de planta octogonal y que funciona como zagúan y distribuidor principal. A través de este hall, podemos acceder al Patio del Palacio del embajador de Vich(reconstruido en 2003 a partir de los restos guardados desde su derribo en la antigua sede del Museo), y a las diferentes salas de exposiciones permanentes y temporales.
En la planta baja, pasando a través de una sala que contiene gran variedad de retablos, accedemos a la Sala Sorolla, pintada en unos tonos entre azules y verdes y poco iluminada a excepción de las obras que reciben luz cenital blanca.
Nada más entrar encontramos las academias, esto es una serie de pinturas realizadas en su período en Italia como estudiante de la Academia de Bellas Artes becado por la Diputación de Valencia, con las que tenía de ‘demostrar’ su trabajo. Aquí vemos se aprecian sus primeros retratos(género predominante en la muestra), sus desnudos y su primer bodegón, curiosamente adquirido por su futuro suegro.
El otro día paseando por los alrededores de la Plaza de la Reina, vi un pequeño pasaje oculto entre los portales, y me decidí a entrar. En la angosta callejuela me topé con una pequeña puerta que conducía a una pequeña galería de arte; la Galería de Arte Contemporáneo Kessler Bataglia. Decidida entré a ver la exposición.
La exposición era a cargo de una artista desconocida para mí, llamada Ewa Okolowicz y tenía un título cuanto menos curioso “Fugas pictóricas. Concierto cromático para un lienzo en blanco”.
La galería era una pequeña sala de pequeñas dimensiones, dividida en dos pequeñas salas situadas a distinto nivel. Las paredes pintadas de blanco resaltaban mucho las obras de una gama cromática más bien oscura.
La muestra contaba con veinticinco cuadros, que por lo que pude averiguar habían sido creados a partir de las sensaciones que percibía la pintura al recibir impulsos musicales. Según me contó la encargada de la galería, para inspirarse utilizó canciones de músicos como Miles Davis, Jimi Hendrix, PJ Harvey, Szabó o Garbarek. Por tanto la obra de Okolowicz renuncia a la idea de pensar la composición artística a favor de apostar por una creación más automática, menos racional.
Los trazos del pincel discurren por el lienzo blanco al ritmo de la música sugiriendo formas y colores, que sirven para analizar la relación que existe entre la abstracción musical y la experiencia artística.Según afirma la propia Ewa Okolowicz “Nunca predispongo mi trabajo a un plan confeccionado, sino que me dejo seducir por los colores y aquello que me sugieren los sentidos en cada momento, y en este caso, en mis últimas obras, la música se impuso en el viaje”.
En su página web(http://www.ewaokolowicz.com/) podéis encontrar más información sobre esta artista afincada en Valencia, pero a continuación os dejo dos vídeos; el primero es la presentación de su trabajo y el segundo es el anuncio de la exposición. A tenor de lo que se observa se lo pasa genial pintando.
“Surreal versus Surrealism in Contemporary Art” es el título de una exposición que he visitado recientemente en el IVAM que trata de mostrar el paso del Surrealismo a lo Surreal. Este paso en el mundo del arte, se fraguó en el siglo XX, alrededor de la década de los años 60, cuando el arte empezó a desvincular lo real de lo virtual.
De entre los muchos cambios que se sucedieron en el siglo XX, el psicoanálisis, tuvo una importantísima repercusión en el arte de los surrealistas, quienes desarrollaron la importancia de la reinterpretación de los sueños y el papel del subconsciente. Pero a partir de la década de los 70, la incipiente revolución de las tecnologías, se producirían cambios sustanciales en la percepción de la realidad que dejarían de lado las experiencias oníricas, y que abrirían paso a lo Surreal.
Esta transición, este cambio de miras, el paso de las visiones en sueños improbables a imágenes reales que parecen fantásticas e improbables, esto es del paso del Surrealismo a lo Surreal.
La exposición está ubicada en la segunda planta del IVAM, y se encuentra dividida en cuatro espacios contiguos, en los que se ha ordenado la obra cronológicamente, testo es, las obras más antiguas-pertenecientes a la década de los ochenta-se encuentran junto al acceso y las más nuevas están al final de la sala. Otro aspecto característico de la exposición son las cartelas, que se agrupan por salas y no se encuentran colocadas junto a las obras, supongo que con la finalidad de evitar la tentadora lectura de la explicación de la obra, antes de intentar descifrar que nos cuenta.
La exposición, comisariada por Gianni Mercurio y Demetrio Paparoni, resulta muy interesante por la gran cantidad de obras y artistas que se encuentran, así como la versatilidad en los formatos de las obras, que van desde los tradicionales lienzos y esculturas, hasta obras formadas por varios cuadros y esculturas, obras audiovisuales, etc. Sin duda, la visita es más que recomendable.
A continuación, trataré de explicar brevemente algunas de las obras, no obstante, con esto no se puede explicar ni por asomo la exposición, porque resulta muy difícil hacerlo cuando existen tantas obras tan dispares.
Stalin and the Muses, 1981-1982,Vitaly Komar y Alexander Melamid.
Esta obra es una de las primeras que se ven al entrar a la sala. A primera vista, no aprecié ningún rasgo de surrealismo en la obra, es más parecía una obra del realismo soviético.
Sin embargo, en la obra, aparecen las musas, apreciadísimas en el arte de corte clásico pero raramente utilizadas en el realismo soviético. La actitud de las musas en el cuadro es de admiración y respeto hacia la figura de Stalin, quien aparece en una actitud cercana, pero la intención del cuadro es hacer una parodia del sistema utilizando como forma de denuncia su propio lenguaje.
Prision,1985,Peter Halley
Esta obra, recuerda formalmente al Suprematismo de Malevich, pero su intención no es la misma. Si para Malevich, el arte tenía un valor en si mismo, para Halley, el arte tiene un valor de denuncia social.
Mediante su tendencia geometrizante y la jerga de la prisión, trata de denunciar que las corrientes arquitectónicas y urbanas actuales, marcadas por la ordenación reticular son formas de control y dominio sobre el ser humano.
The future of the Planet,2009, Marc Quinn
De quien nos sorprendieran sus esculturas en sangre, es esta escultura realizada en bronce y láminas de oro. Aquí el artista utiliza el tópico del memento mori para hacer una reflexión acerca de la vida eterna, desligada completamente del significado cristiano.
Él se basa en el ciclo de los átomos de carbono que desprenden los organismos muertos y facilitan el desarrollo de otros organismos vegetales.
Seewolf,2010, John Bock
Aprovechando los materiales utilizados en una performance en Basilea, inspirada en la novela de Jack London 'The sea wolf', que relata la historia de un naufragio donde el protagonista es víctima de la crueldad del capitán.
La escultura, conformada por materiales varios, retrata el ingenio y las diferentes posibilidades de uso que tienen los objetos más cotidianos en situaciones extremas.
En uno de los extremos de la embarcación se puede ver la performance realizada por el propio Bock.
Untitled(Head with tools),2009, Tony Oursler
Un huevo de resina es el soporte de la proyección de un rostro que mueve los ojos y la boca pronunciando un torrente de palabras incomprensibles.
La idea del huevo, hace alusión a la metáfora del embrión, que remiten a su vez a los primeros sonidos.
Las herramientas, hacen referencia a posturas masoquistas de tortura frente a los problemas que nos rodean, y forman parte de las conductas que estudia Oursler, desde hace unos años, basándose en enfermos mentales y drogadictos.
Aquí os dejo un vídeo donde se puede apreciar mejor la obra.
Esta instantánea es de un viaje a Benalmádena que hice con unos amigos para pasar las vacaciones de Pascua.
'Maqueles' es el nombre con llamaba mi hermana de pequeña(porque no sabía decir bien su nombre: Mª Ángeles). Ella es mi única hermana y, esos once años que nos llevamos no han supuesto nunca un handicap, sino todo lo contrario, han creado en nosotras una dependencia entre hermanas que roza lo maternal, que hace que nos necesitemos muchísimo.
De hecho es ahora en la distancia cuando más lo noto, y por eso a veces, mirando fotos como esta recuerdo los veranos de mi infancia con ella. Ella me llevaba siempre detrás, a la playa, con sus amigos, a pasear, con su moto... y aunque alguna vez mis chivatazos inocentes le costaron algún que otro castigo, nunca dejó de llevarme con ella para compensar esos meses de invierno en que solo nos veíamos los fines de semana y poco más.
Esta foto es una de esas muchas, de esos primeros veranos de mi vida. Aquí estamos sentadas en el salón de la casa de la playa dándonos un abrazo entre juegos. Es una foto cotidiana pero que sin duda significa mucho para mí.
